« C'est le plus beau des films de Rossellini, qui a marqué une évolution du langage cinématographique aussi importante que La Règle du Jeu, de Renoir. On a reproché au cinéaste d'avoir abandonné (depuis sa rencontre et son union avec Ingrid Bergman) le néoréalisme social. Le film montrait pourtant, sans la moindre concession au romanesque et à la psychologie, l'itinéraire spirituel et moral d'Alexandre Joyce, homme d'affaires britannique, et de sa femme Katherine, venus en Italie pour recueillir un héritage. En arrivant à Naples, ils s'aperçoivent que rien ne va plus entre eux. L'Italie sert alors de révélateur, et les images, épurées d'éléments spectaculaires, font naître, par les gestes et les comportements, la vérité intérieure du couple, finalement sauvé par cette force inconnue qu'est la grâce. »
Jacques Siclier – Télérama

« En 1953, Roberto Rossellini décida de réaliser une version cinématographique de Duo le roman de Colette. Le projet était ambitieux, l'histoire était celle d'un couple ; il s'agissait donc de trouver pour Ingrid Bergman un partenaire qui soit à la hauteur. Rossellini avait toujours beaucoup aimé George Sanders, qui avait déjà tourné avec l'actrice dans La Proie du mort. Malheureusement, au moment de son arrivée le réalisateur a découvert que les droits du roman étaient déjà vendus. Il se trouvait donc avec un acteur sur les bras mais sans plus d'histoire à tourner. Qu'à cela ne tienne, il allait écrire lui-même un autre scénario à Naples : Voyage en Italie C'est un film que j'aime beaucoup. C'était très important pour moi de montrer l'Italie, Naples, dans cette atmosphère étrange à laquelle se trouve mêlé un sentiment très réel, très immédiat, très profond, le sentiment de la vie éternelle. C'est une chose qui a complètement disparu du monde ». »
Roberto Rossellini

Troisième des cinq longs métrages de Rossellini avec Ingrid Bergman. La richesse du film, sa géniale limpidité, la paisible et immense ambition du propos sont de celles qui découragent l'analyse, surtout en peu de lignes. Tout en respectant l'inévitable linéarité du récit cinématographique, Rossellini décrit en cercles concentriques une réalité de plus en plus vaste.

Au départ de l'intrigue et au centre, il y a un couple, un homme et une femme proches par la nationalité et le milieu social, profondément séparés par le caractère et l'approche des choses. Homme d'affaires ne sachant rien faire d'autre que travailler, le mari ne communique nullement avec le monde qui l'entoure. La femme, elle, communique un peu plus avec ce monde, ne serait-ce que par ses frustrations. Frustrations d'enfants (alors que les rues de la ville semblent une ode à la maternité). Frustrations de savoir et de culture, qu'elle comble comme elle peut par ses excursions et ce que son mari appelle avec mépris ses « pèlerinages ». Frustration plus générale de contacts humains.

Dans le deuxième cercle, il y a deux civilisations qui s'opposent, le Nord et le Sud : le Nord de l'hyperactivité et du « time is money », le Sud du farniente, de la contemplation et de la poésie (auxquels est sensible le personnage d'Ingrid Bergman). La civilisation en tant que valeur, suggère Rossellini, n'est pas un dilemme, un choix à faire entre les deux. C'est une souhaitable, et d'ailleurs inévitable, union, synthèse, harmonie entre les deux attitudes, les deux regards devant la vie que représentent le Nord et le Sud.

Dans le troisième cercle se trouve la fragile et impalpable frontière entre le monde de l'intimité et le cosmos, entre l'intérieur et l'extérieur, entre la matière et la grâce, la banalité quotidienne et le miracle. Aux dernières du film, les deux personnages sentent que cette frontière est illusoire ; ils éprouvent, sans le formuler, que tout est « grâce ». La sérénité, suggère Rossellini, serait d'être à la fois dehors et dedans. En témoignent ces plans dits subjectifs pris de la voiture par quoi commence le film, où rien n'indique qu'on soit séparé du paysage, où on aborde la réalité comme on respire, où le subjectif se confond avec l'objectif, et le spectateur avec ce qu'il regarde. Si l'art du cinéma consiste à raconter une histoire simple qui, peu à peu, absorbe et contient toutes les histoires, et le spectateur, et le monde, alors « Voyage en Italie » peut être considéré comme l'un des films qui exploitent jusqu'à leur extrême limite les pouvoirs de cet art.

Jacques Lourcelles, Dictionnaire du cinéma

« J'ai eu la révélation réelle, absolue, du génie de Roberto Rossellini en voyant à Paris un film dont tout le monde disait que c'était une horreur, un ennui mortel ; un film épouvantable, la fin de Rossellini – c'est-à-dire Voyage en Italie. Or, j'ai été stupéfait de voir un chef d'œuvre, un film absolument bouleversant. Et à partir de ce jour, je suis resté rossellinien totalement, définitivement, indéfectiblement. ». Ces propos de Henri Langlois qui datent de 1974, nous remettent en mémoire des faits un peu trop oubliés : que Voyage en Italie fut accueilli, lors de ses premières projections, en Italie comme en France, par des huées.

En dépit d'une sortie très discrète dans les salles française en 1954, les critiques des Cahiers du Cinéma, dont François Truffaut, apprécient ce film et le distinguent comme le premier film moderne. Selon Rivette, il est l'exemple de ce que le cinéma français doit suivre sous peine de mort.

En 1956, Jacques Rivette, prenant la défense du cinéaste italien contre ses détracteurs, qui lui reprochaient justement de trahir le néo-réalisme, écrivait dans sa célèbre « Lettre sur Rossellini » (Cahiers du Cinéma N°46) : « S'il est un cinéma moderne, le voilà… Par l'apparition de Voyage en Italie, tous les films ont soudain vieilli de dix ans ; rien de plus impitoyable que la jeunesse, que cette intrusion catégorique du cinéma moderne, où nous pouvons enfin reconnaître ce que nous attendions confusément… Voilà notre cinéma, à nous qui nous apprêtons à notre tour à faire des films… »

« Dans l'histoire du cinéma, il y a cinq ou six films dont on aimerait ne faire la critique que par ces seuls mots : « C'est le plus beau des films ! » Parce qu'il n'y a pas de plus bel éloge. Pourquoi, en effet, parler plus longuement de Tabou, de Voyage en Italie ou du Carrosse d'or ? Comme l'étoile de mer qui s'ouvre et se ferme, ils savent offrir et cacher le secret d'un monde dont ils sont à la fois l'unique dépositaire et le fascinant reflet. » »
Jean-Luc Godard (Avant-Scène Cinéma N°301 – juin 1987)

« Ici, nouveauté partout. Forme, fond, jeu, photo, musique. Voyage en Italie est le premier film à prendre pour sujet un sentiment et ses variations. D'où la construction toute musicale de l'œuvre ordonnée autour des thèmes de la vie et de la mort… Voyage en Italie est le film d'un état d'âme, d'une difficulté d'être (à deux) qui deviennent finalement, par force des choses, la dignité d'être, purement et simplement. (…) La photo admirable d'Enzo Serafin, la musique de Renzo Rossellini participent de cette nouveauté, de cette audace. Voyage en Italie peut sembler moins insolite que La Strada. Je le crois plus original et plus audacieux, la sentimentalité et la littérature n'y ayant aucune part. Comme les Fioretti, comme Europe 51, comme Jeanne au bûcher, Voyage en Italie ne ressemble à rien de ce qui se fait dans le cinéma. L'œuvre de Rossellini est « en dehors », « en marge », chacun des films qui la composent est un effort total pour libérer l'écran de servitudes révolues. » »
François Truffaut (Radio-Cinéma-Télévision, mai 1955)

Liste artistique

- INGRID BERGMAN // Katherine Joyce
- GEORGE SANDERS // Alexander Joyce
- MARIA MAUBAN // Marie
- ANNA PROCLEMER // La prostituée
- PAUL MULLER // Paul Dupont
- LESLIE DANIELS // Leslie Harris
- TONY LA PENNA // Tony Burton
- NATALIA RAY // Natalie Burton
- JACKIE FROST // Betty

Fiche technique

REALISATEUR Roberto Rossellini
SCENARIO Roberto Rossellini, Vitaliano Brancati
PRODUCTEURS Adolfo Fossataro, Alfredo Guarini, Roberto Rossellini
PHOTO Enzo Serafin
MONTAGE Jolanda Benvenuti
MUSIQUE Renzo Rossellini
DECORS Pero Filippone
DISTRIBUE PAR Films Sans Frontières

www.films-sans-frontieres.fr